Maffeo d’Arcole, nella rievocazione degli amici di lungo corso.

Nato nell’Est veronese il 1° di aprile 1949, ultimo di otto figli di una famiglia contadina, Maffeo Burati trascorre tutta la vita nel paese dal quale per identificarvisi riprende il nome d’arte: Maffeo d’Arcole: “Vezzo quasi religioso come di frate cappuccino, che non vuole dimenticare la comunità che gli ha dato con la vita i primi insegnamenti, quelli che restano”. (don Domenico Romani).

Dopo la scuola elementare, patita e sofferta come una condanna per lo strascico di frustrazioni e ferite inferte alla sua indocile indole, viene avviato subito al lavoro dei campi e poi, al compimento dei 16 anni, al lavoro in fabbrica come apprendista carpentiere.

Nel frattempo frequenta la scuola professionale di aggiustatore meccanico a San Bonifacio, mentre nei fine settimana tenta la strada della pittura fabbricandosi in casa i poveri arnesi del mestiere, come i pennelli fatti a mano con crine di vacca e un bacchetto di legno.

Nel 1968 trova lavoro all’Uranio in Verona, industria di accumulatori, e qui dopo qualche mese va ad abitare con il fratello Ruggero, già introdotto nel mondo dell’arte, con la prospettiva di frequentare l’Accademia di Belle arti G.B. Cignaroli, che nel frattempo però chiude il sospirato corso serale.

Nel 1969 giunge il tempo del servizio militare con destinazione alpino a San Candido, dove matura la convinzione di dare una svolta alla sua esistenza.

Al ritorno i lavori precari svolti tra i 15 e i 30 anni non lo catturano più: l’alienazione del lavoro gli si fa chiara anche attraverso la partecipazione attiva a iniziative sociali e lotte sindacali del territorio, che hanno il loro culmine nella occupazione della locale fabbrica tessile Gubbiotti nella primavera 1975. Il picchettaggio della fabbrica per solidarietà alle lavoratrici impegnate a difendere il posto di lavoro coinvolge l’intero paese e diventa l’esperienza politica più significativa di questa fase.

La vocazione di questo artista, fuori dalle scuole, matura in mezzo ad una generazione giovanile che parla di problemi politici e sindacali mentre si reca al lavoro in fabbrica e che, nelle ferie o all’occorrenza nelle finte assenze per malattia, ritorna periodicamente al raccolto dei campi e all’allevamento degli animali domestici.

Il miracolo economico, che spinge la gente dei campi ad abbandonare la terra per le periferie delle città, non cattura però l’ispirazione dell’artista che, fedele alla sua origine, dipinge fantasmi di contadini che incedono coperti da tabarri neri o nascosti sotto cappelli a tese larghe, mentre invade le tele un mondo di mondine, mietitori e falciatori ricurvi, sottomessi al ritmo delle stagioni, alle tempeste o alla siccità.

Parallelo alla presa di coscienza politica è ora l’impegno artistico a tutto campo, pittorico e multi-linguistico, sollecitato sempre dal fratello maggiore e supportato anche materialmente dagli amici ed estimatori sensibili al suo progetto (tra gli altri, don Domenico Romani, Giordano Lunardi, Dino Coltro, Sirio Lungibuhl, Giorgio Segato, Ugo Brusaporco, Jean Galvani, don Diego Castagna, Roberto Canazza, Maurizio Provoli, Armando Spier).

Le infinite variazioni sul tema dei vinti della terra lo vedono esporre le sue creazioni, dopo il 1978, a Verona, Terme di Recoaro, San Bonifacio, Montagnana, Isola della Scala, Malcesine. Sono tutte opere di dimensioni contenute, quasi didascaliche, che portano titoli tratti dalla cultura d’origine: “Il contadino”, “Memorie di terra”, “La risaia e le mondine”, “Cielo e terra”, “Immagi-nature”. In esse scorre la memoria dell’artista che, da bambino che era, crescendo resta nella residenza paterna ad accudire fino alla fine, con filiale dedizione e non pochi sacrifici, gli anziani genitori nei loro molteplici bisogni. Frattanto i suoi quadretti, appetiti dal mercato, vanno a riempire le case del territorio vicine e lontane, a conferma del fatto che anche gli artisti, oggi come ieri, devono scendere a compromessi con le necessità materiali del vivere quotidiano.

E’ Dino Coltro, attento studioso del mondo rurale, a cogliere le radici culturali di Maffeo d’Arcole. Evidenziandone le “profonde tensioni spirituali”, così scrive: “Queste immagini ‘sue’, create forse trattenendo violente rabbie, offrono una possibile comunicazione con gli ‘altri’ che si ritrovano e si riconoscono nella fatica del vivere di un mondo contadino scomparso (…). Non è senza significato il fatto che le figure senza volto e senza fisionomia viste sul campo, sul lavoro, dentro l’ombra della fatica, acquistano volto e fisionomia nei cosiddetti ‘interni’. Sembra quasi che nella protezione di una casa, di una famiglia, l’individuo-terra, l’uomo-albero, il contadino-niente, diventi ‘persona’ con un volto e una fisionomia propri”.

Nei quadri del nostro artista, continua Dino Coltro, “l’erba, il fiore, l’albero conservano una purezza infantile, poetica senza essere decorativa o folkloristica perché attorno vi è quel suo mondo contadino in cui resiste una verità arcaica, vissuta con sentimento moderno”.

Sostenitore burbero ed egocentrico delle proprie idee sull’arte, Maffeo d’Arcole all’occorrenza sa farsi umile ascoltatore delle opinioni altrui e curioso indagatore dei sentimenti di quanti analizzino le sue opere riconoscendosi parte del suo mondo.

Dal 1980 in poi, abbandonata la vita lavorativa frustrante e mal tollerata, il nostro si dedica professionalmente a una produzione d’arte sempre promossa da un autobiografismo in cui cronaca, etica, religione e politica alimentano illuminanti intuizioni che lo schierano limpidamente dalla parte degli ultimi, mentre impugna gli arnesi del mestiere, dal pennello alla motosega (!), come arma contro i bersagli volta a volta individuati.

“La vicenda di Maffeo d’Arcole esemplifica significativamente la storia di quella parte del movimento operaio di origine contadina ultima erede delle speranze e dei progetti del Sessantotto”. (Francesco Butturini)

E’ da notare che è “l’arte”, e tutto ciò che si dice “arte” nelle sue forme molteplici (e quindi non la sola pittura), la passione di Maffeo d’Arcole, il quale si espone sulla “grande tela bianca della vita” (parole sue) anche come attore (se possibile sempre protagonista), regista, scenografo e scultore, ossia come artista polivalente e discontinuo, sanguigno e urticante, sensibile alle correnti di avanguardia e aperto alle suggestioni dello sperimentalismo.

Fin dalla esposizione “Uomo-struttura” del 1980 al Palazzo della Gran Guardia di Verona, l’artista perfora le tele ritagliandovi anche una “silhouette” che permette al visitatore di collocarsi sul retro per mostrarsi in un imprevedibile quadro-cornice.

La ricerca espressiva, poi, oltrepassando il canone di base della pittura, vede successivamente aggiungersi a tela e colori nuovi materiali: fotografie su ceramica recuperate da lapidi sepolcrali, paglia (tanta paglia, carica di arcana memoria contadina), tessuti, corde, collage di giornali grondanti di parole deprivate di senso, disegni di allievi-pittori, volti tridimensionali sporgenti dalla finestrella della tela perforata, nonché un vero nido di rondine con uova dentro sotto un piccolo tetto di tegole. Arricchiscono l’insieme i giochi di nero-giallo, le pennellate immense ed esplosive di rossi e di tutti i colori fondamentali, l’uso degli smalti monocromi, le tinte a goccia cadente e a spruzzo, i ricalchi a timbro di mani e di foglie senza riempire la tela per lasciare poi campo bianco aperto all’interpretazione.

E per la mostra “Popoli in cammino”, una installazione ambientale di 140 statue in legno realizzata a Roma nel 2000, Ferdinando Camon scrive: “Maffeo d’Arcole costruisce gruppi viventi, e li piazza in ambienti che ricordano il loro habitat. I suoi “immigranti” li ho visti in un campo incolto, sulle stoppie, tra le nebbie: emergevano a gruppi famigliari (padre, madre, figli) o isolati, così come sbarcano realmente sulle nostre coste. La visione non dava l’idea di una copia dell’evento, ma dell’evento stesso. Le figure di Maffeo sono grezze ma potenti: lui non elabora e non deforma, ma semplicemente impoverisce e riduce all’osso, volti, vesti, gesti. E questo rafforza l’efficacia dei suoi quadri, e li rapporta alla realtà: perché anche sulle figure umane che i quadri rappresentano, la storia ha scavato (con crudele alacrità) e distrutto, e di esse non resta che un nucleo, un simbolo, che le avvicina ai fantasmi”.

 Uscendo dalla prima più popolare rappresentazione del mondo contadino verso il mondo più intrigante della sperimentazione, è l’artista stesso, in un momento di autopresentazione, ad offrire la lettura della propria produzione: “Gli strumenti di base di questo periodo di ricerca (sulla sintesi dell’astratto) sono da un lato materiali semplici come la paglia, il legno e lo spago, che simboleggiano il mondo contadino semplice e povero, e dall’altra il colore, sia a smalto che a spray, assunto a simbolo della società industriale avanzata, con i suoi prodotti di sintesi chimica (…). Nelle mie tele queste due realtà si incontrano e si scontrano coesistendo in un rapporto sovente squilibrato dove l’elemento industriale predomina su quello contadino, quasi soffocandolo con il suo lento e inesorabile avanzare sulla tela”.

Come ricorda don Domenico Romani, “All’appuntamento di ogni vernice sempre si presenta un attore, o un mimo, a proporre in microdramma, spesso con partecipazione del pubblico, una suggestione o una emozione precomprensiva delle opere esposte. A Rovigo nell’88 all’ingresso di “Colori e forme” aspettava i curiosi la figura di un Minotauro coloratissimo”.

Alla festa provinciale dell’Unità di Verona nel 2003 e a quella nazionale di Genova nel 2004 – qui con la visita benedicente di don Andrea Gallo – torna il ricorrente tema dei migranti: i “Popoli in cammino”, che non si possono fermare per molteplici ragioni, sono reiteratamente proposti in più occasioni nella denuncia delle barriere fisiche e culturali opposte al vento della storia.

Industrializzazione, urbanizzazione e globalizzazione sono figlie del movimento storico delle popolazioni dalla città alla campagna, dal sud al nord, da est a ovest, dalle periferie del mondo all’Occidente ricco e chiuso in parossistica difesa. Ma sono proprio i milioni e milioni di persone che si spostano da una terra all’altra, portandosi dietro modi di vivere, culture, fedi religiose, aspettative e tensioni ideali, a modificare il presente e a disegnare il futuro.

Con la mostra “Benvenuti Albanesi” l’artista aveva già proposto ad Arcole e a Padova l’invito ad una vera accoglienza per quanti approdano in Italia, come se si trattasse del ritorno dei nostri emigranti che in tempi non lontani avevano cercato fortuna all’estero come cittadini dell’unico mondo.

Renato Bonvicini, Maffeo Giavarina, Gino Mariotto, Franco Ramoso, Giovanni Trentin.

 Arcole, 2025

 

Maffeo d’Arcole, as remembered by his longtime friends.

 

Born in eastern Verona on April 1, 1949, the youngest of eight children in a farming family, Maffeo Burati spent his entire life in the village from which he took his stage name to identify with it: Maffeo d’Arcole: “An almost religious trait, like that of a Capuchin friar, who does not want to forget the community that gave him his first lessons in life—the ones that remain.” (Don Domenico Romani).

After elementary school—endured and suffered as a sentence due to the lingering frustrations and wounds inflicted on his unruly nature—he was immediately put to work in the fields and then, upon turning 16, to work in a factory as an apprentice carpenter.

Meanwhile, he attended the vocational school for mechanical repairmen in San Bonifacio, while on weekends he tried his hand at painting, making his own rudimentary tools at home, such as handmade brushes from cowhair and a wooden handle.

In 1968, he found work at Uranio in Verona, a battery manufacturer, and after a few months moved in with his brother Ruggero, who was already established in the art world, with the intention of attending the G.B. Cignaroli Academy of Fine Arts, which, however, had since canceled the long-awaited evening course.

In 1969, it was time for military service with the Alpine troops in San Candido, where he became convinced that he needed to make a change in his life.

Upon his return, the precarious jobs he had held between the ages of 15 and 30 no longer appealed to him: the alienation of work became clear to him through his active participation in local social initiatives and union struggles, which culminated in the occupation of the local Gubbiotti textile factory in the spring of 1975. The picketing of the factory in solidarity with the female workers fighting to defend their jobs involved the entire town and became the most significant political experience of this phase.

This artist’s vocation, outside of formal schooling, matures amidst a young generation that discusses political and union issues while commuting to the factory and that, during vacations or, when necessary, through feigned sick leave, periodically returns to harvesting the fields and tending to domestic animals.

The economic miracle, which drives people from the countryside to abandon the land for the city suburbs, did not, however, capture the artist’s inspiration; faithful to his origins, he painted phantoms of peasants striding along cloaked in black capes or hidden beneath wide-brimmed hats, while a world of rice-paddy workers, reapers, and bent-over mowers—subjugated to the rhythm of the seasons, to storms or drought—invaded his canvases.

Parallel to his growing political awareness is now a comprehensive artistic commitment—pictorial and multilingual—constantly encouraged by his older brother and also materially supported by friends and admirers sympathetic to his project (among others, Don Domenico Romani, Giordano Lunardi, Dino Coltro, Sirio Lungibuhl, Giorgio Segato, Ugo Brusaporco, Jean Galvani, Don Diego Castagna, Roberto Canazza, Maurizio Provoli, and Armando Spier).

The endless variations on the theme of the earth’s downtrodden led him to exhibit his creations, after 1978, in Verona, Terme di Recoaro, San Bonifacio, Montagnana, Isola della Scala, and Malcesine. These are all works of modest size, almost didactic in nature, bearing titles drawn from the culture of origin: “The Peasant,” “Memories of the Land,” “The Rice Paddy and the Rice Planters,” “Sky and Earth,” “Nature Images.” Flowing through them is the artist’s memory: as a child, he remained in his father’s home as he grew up, caring for his elderly parents in their many needs until the end, with filial devotion and no small amount of sacrifice. Meanwhile, his small paintings, in high demand on the market, find their way into homes near and far across the region, confirming that artists, today as in the past, must compromise with the material necessities of daily life.

It is Dino Coltro, a keen scholar of the rural world, who captures the cultural roots of Maffeo d’Arcole. Highlighting their “profound spiritual tensions,” he writes: “These ‘his’ images, perhaps created while holding back violent rage, offer a possible communication with the ‘others’ who find and recognize themselves in the toil of living in a vanished peasant world (…). It is not without significance that the faceless, featureless figures seen in the fields, at work, in the shadow of toil, acquire a face and features in the so-called ‘interiors’. It almost seems that within the protection of a home, of a family, the earth-individual, the tree-man, the peasant-nothing, becomes a ‘person’ with a face and features of their own.”

In our artist’s paintings, continues Dino Coltro, “the grass, the flower, the tree retain a childlike, poetic purity without being decorative or folkloric, because surrounding them is that peasant world of his in which an archaic truth endures, experienced with a modern sensibility.”

A gruff and self-centered advocate of his own ideas about art, Maffeo d’Arcole knows, when necessary, how to become a humble listener to the opinions of others and a curious investigator of the feelings of those who analyze his works, recognizing themselves as part of his world.

From 1980 onward, having abandoned a frustrating and ill-tolerated working life, he dedicated himself professionally to an artistic output consistently driven by autobiographical elements in which chronicle, ethics, religion, and politics fuel illuminating insights that clearly place him on the side of the marginalized, while he wields the tools of his trade—from the paintbrush to the chainsaw (!)—as weapons against the targets he identifies from time to time.

“The story of Maffeo d’Arcole significantly exemplifies the history of that part of the labor movement of peasant origin, the ultimate heir to the hopes and projects of 1968.” (Francesco Butturini)

It should be noted that “art”—and everything that is called “art” in its manifold forms (and therefore not just painting)—is Maffeo d’Arcole’s passion, as he exposes himself on the “great white canvas of life” (in his own words) also as an actor (always the protagonist, if possible), director, set designer, and sculptor—that is, as a multifaceted and unconventional artist, passionate and provocative, sensitive to avant-garde currents and open to the influences of experimentalism.

Ever since the 1980 exhibition “Uomo-struttura” at the Palazzo della Gran Guardia in Verona, the artist has perforated canvases, cutting out a “silhouette” that allows visitors to stand behind it and appear within an unpredictable picture-frame.

His expressive exploration, then, moving beyond the basic canons of painting, subsequently sees new materials added to canvas and paint: photographs on ceramic recovered from tombstones, straw (lots of straw, laden with arcane peasant memory), fabrics, ropes, newspaper collages dripping with words stripped of meaning, drawings by student-painters, three-dimensional faces protruding from the small window of the perforated canvas, as well as a real swallow’s nest with eggs inside under a small tiled roof. Enriching the whole are the interplay of black and yellow, the immense and explosive brushstrokes of reds and all the primary colors, the use of monochrome glazes, the dripping and sprayed pigments, and the stamped impressions of hands and leaves—without filling the canvas, thus leaving open white space for interpretation.

And regarding the exhibition “Popoli in cammino,” an environmental installation of 140 wooden statues created in Rome in 2000, Ferdinando Camon writes: “Maffeo d’Arcole constructs living groups and places them in settings reminiscent of their natural habitats. I saw his ‘immigrants’ in an uncultivated field, on stubble, amid the fog: they emerged in family groups (father, mother, children) or alone, just as they actually land on our shores. The vision did not convey the idea of a copy of the event, but of the event itself. Maffeo’s figures are raw yet powerful: he does not elaborate or distort, but simply strips down and reduces to the bare essentials—faces, clothing, gestures. And this reinforces the impact of his paintings and connects them to reality: for even the human figures depicted in the paintings have been carved away (with cruel alacrity) and destroyed by history, and all that remains of them is a core, a symbol, which brings them closer to ghosts.”

Moving from the earlier, more popular depiction of the peasant world toward the more intriguing world of experimentation, it is the artist himself, in a moment of self-presentation, who offers an interpretation of his own work: “The basic tools of this period of research (on the synthesis of the abstract) are, on the one hand, simple materials such as straw, wood, and twine, which symbolize the simple and poor peasant world, and on the other, color—both enamel and spray paint—taken as a symbol of advanced industrial society, with its products of chemical synthesis (…). In my canvases, these two realities meet and clash, coexisting in an often unbalanced relationship where the industrial element predominates over the rural one, almost suffocating it with its slow and inexorable advance across the canvas.”

As Don Domenico Romani recalls, “At every exhibition opening, an actor or a mime always appears to present, in a micro-drama—often with audience participation—a suggestion or an emotion that foreshadows the works on display. In Rovigo in 1988, at the entrance to ‘Colori e forme,’ a highly colorful figure of a Minotaur awaited the curious.”

At the provincial Unity Festival in Verona in 2003 and the national one in Genoa in 2004—here with the blessing of Don Andrea Gallo—the recurring theme of migrants returns: the “Peoples on the Move,” who cannot be stopped for many reasons, are repeatedly featured on multiple occasions in the denunciation of the physical and cultural barriers opposing the wind of history.

Industrialization, urbanization, and globalization are the offspring of the historical movement of populations from city to countryside, from south to north, from east to west, from the peripheries of the world to the wealthy West, closed off in a frenzied defense. But it is precisely the millions and millions of people who move from one land to another, bringing with them ways of life, cultures, religious beliefs, expectations, and idealistic tensions, who shape the present and chart the future.

With the exhibition “Benvenuti Albanesi,” the artist had already extended an invitation in Arcole and Padua to a genuine welcome for those arriving in Italy, as if it were the return of our own emigrants who, not so long ago, had sought their fortune abroad as citizens of a single world.

Renato Bonvicini, Maffeo Giavarina, Gino Mariotto, Franco Ramoso, Giovanni Trentin.

Arcole, 2025